Castle Rock Asylum

Bienvenidos a la locura.

El terror en la mochila: La mansión embrujada de Rose Hall (Jamaica)

Por Chica Sombra.

La Momia de Alex Kurtzman

Crítica por Rubén "Reaper" GonzáleZ.

Entrevista a Ivana Baquero

Por Chica Sombra y Rain Cross.

La Sala Común: Black Mirror T.3

Por Rain Cross.

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viernes, 31 de marzo de 2017

Entrevista a Iván Ru-So


"Ver tanto interés por un personaje que has creado te deja sin palabras" 

Esta vez le toca el turno de pasar por la sala de entrevistas de Castle Rock Asylum al ilustrador Iván Ru-So, que hace poco que ha dejado suelta a una tenebrosa criatura surgida de su perturbada mente.




-Lo primero será preguntar desde cuándo has empezado a demostrar ese talento a la hora de dibujar.

-Desde que recuerdo, siempre se me ha dado bien dibujar. En el colegio destacaba sobre los demás, o parecía ser así, ya que me hacían decorar los pasillos del colegio en navidad con dibujos realizados en cartulina de los reyes magos y angelitos rubios. ¡Jajaja! Todavía conservo algún bodegón que dibujé con 7 años de edad.

-Háblanos de tus referencias. ¿Cuáles son tus artistas preferidos y las obras (de cualquier índole) que más te han influenciado?

-Son tantos que no hay espacio suficiente para nombrarlos a todos. Pero por nombrar a algunos te diría que a una edad temprana me encantaban los cómics de Asterix. Alucinaba con los dibujos de Uderzo. Más adelante caí rendido ante las maravillosas revistas como Creepy, 1984 que después fue Zona 84, Cimoc, Totem… y fue cuando descubrí a Jordi Bernet y su Torpedo 1936, a José Ortiz con Hombre o Las mil caras de Jack el destripador, a Richard Corben y su DEN, Bloodstar, Rowlf… También leía cómics de superhéroes y disfrutaba con el dibujo de Jack Kirby, John Buscema y su hermano Sal, con Frank Miller flipaba (y sigo haciéndolo)… Y que no se me olvide mencionar, fuera de lo que es cómic, a Norman Rockwell con el que me he pasado horas admirando sus portadas para el Saturday Evening Post. Y otro de los artistas que me encantan y alucinan es Ben Templesmith. ¡Y seguiría, pero no acabaría nunca, jajaja!

-A la hora de ponerte a dibujar, ¿qué necesitas para sacar lo mejor de ti?

-Siempre intento darlo todo. Solo necesito papel y lápiz o mi tableta digitalizadora, e intentar plasmar lo que tengo en mi cabeza, que es lo difícil. Si son encargos, siempre espero que me den la máxima libertad a la hora de realizar el trabajo. Es cuando mejor me salen las cosas. Y música. Dependiendo de la ilustración me gusta poner música acorde con lo que voy a ilustrar. Como ejemplo, si estoy realizando una ilustración como la portada de la novela La Iglesia, que realicé para la editorial Cazador de Ratas, usé bandas sonoras de películas como La Bruja, Expediente Warren, Insidious

-Nos morimos por preguntarte: ¿Cómo surgió El Extraño Hombre Alto?

- Pues surgió sin proponérmelo. Me gusta dibujar de noche. Cuando mis hijos y mi mujer se van a dormir yo me acomodo en el sofá, me pongo una película, cojo papel, lápiz y una tabla que me sirva de apoyo y empiezo a dibujar. Y una de esas noches, empecé a darle forma a una figura que en un principio parecía más un pistolero que lo que acabó siendo. Le dibujé un sombrero y no me convenció porque no me decía nada el dibujo. Me vino a la cabeza los sombreros de los jefes de pista de los circos que tienen la copa alta y probé a dibujarlo y ver cómo quedaba. Y me gustó. Ensanché el ala del sombrero y me gustó todavía más. Y mirándolo, quise todavía añadirle algo más, y se me ocurrió hacerle unos dedos largos y afilados. Y ahí estaba. Al día siguiente lo escaneé y coloqué una casa vieja a su lado. Jugué con texturas y luces hasta que conseguí un escenario para el personaje y lo titulé Aquel Extraño Hombre Alto. Y como suelo hacer, lo colgué en Facebook. Y bueno, fue un éxito. En mi vida había recibido tantos privados en Facebook interesándose por el personaje como aquel día. Me hicieron todo tipo de propuestas y una de ellas fue hacer una antología. Me lo propuso Athman M. Charles, al que le estoy enormemente agradecido. Por razones que no tenían que ver con la antología, Athman tuvo que dejar la coordinación del libro y pasó a manos de Javier Martos, que hizo un trabajo excelente y al que quiero agradecer su apoyo, ayuda y profesionalidad. En la antología han participado 14 grandes autores con 13 geniales relatos sobre el personaje y ha sido publicada por la editorial Palabras de Agua que ha realizado una edición magnífica. Estoy muy contento de como ha quedado.





-Lo que está claro es que es una criatura que invita a contar historias sobre él. Tanto es así que la editorial Palabras de Agua acaba de publicar una antología en la que un grupo de autores han escrito varias historias sobre este inquietante personaje. ¿Cómo te sentiste al ver que tu criatura alimentaba la imaginación de tanta gente? ¿Te sientes satisfecho con el resultado?

-Ver tanto interés por un personaje que has creado te deja sin palabras. Fue alucinante. No lo esperaba. Y sí, me siento superhipersatisfecho. Jajaja.

-El Extraño Hombre Alto resulta ser un nuevo monstruo que nos gustaría que fuese aún más conocido. ¿Tienes más planes para aprovecharlo?

-Hay más de una cosilla muy, pero que muy interesante cociéndose. Hasta ahí puedo hablar, jajaja.

-¿Qué otras criaturas te aterran?

-Cuando era pequeño me asustaba todo. Con el tiempo, esa sensación de pasarlo mal, empecé a disfrutarla hasta tal punto, que ahora no me aterra nada. ¡Me he vuelto insensible!

-Eres un estrecho colaborador de Juan De Dios Garduño, ¿pero con qué otros artistas te gustaría trabajar en un futuro (tanto nacionales como extranjeros)?

- Sinceramente, nunca me lo había planteado. Supongo que con cualquiera que quiera trabajar también conmigo.  




-¿Tienes algún consejo para los ilustradores y demás dibujantes que podrían estar leyéndonos?

-¡Rendirse nunca, retroceder jamás!

-Para ir terminando nos gustaría saber cuál ha sido el mejor cómic que has leído últimamente... ¿Y el peor?

-Pues me estoy releyendo Predicador, que es una maravilla y es de lectura obligada. Y por suerte o porque se lo que voy a comprar, no he leído nada malo desde hace ya mucho tiempo, jajaja.

-Nos ha encantado tenerte entre nosotros, Iván. Y estamos deseando descubrir tus próximas obras y ver a cuánta gente aterroriza tu Hombre Alto. Te dejamos escapar... de momento.

- Ha sido un placer. Abrazos.

Aquí tenéis el enlace hacia la web de Palabras de Agua por si os atrevéis a haceros con un ejemplar de El Extraño Hombre Alto.



miércoles, 29 de marzo de 2017

Crítica Gantz: 0 de Yasushi Kawamura





Tras su paso por la última edición del Festival de Cine de Sitges. El gigante del VOD, Netflix, acaba de integrar a su catálogo en nuestro país Gantz: 0. La nueva adaptación del manga de Hiroya Oku que cuenta con 37 tomos recopilatorios, un par de novelas, tantos spin-offs en formato manga, una adaptación en anime y un par en live action




La historia sobre estos grupos de individuos que son obligados a enfrentarse a terroríficas criaturas ha estado contándose y expandiéndose desde el año 2000. Y esta película parece que también trata de llamar la atención a nuevo público. Además de servir como adaptación del arco argumental del noveno tomo que traslada la acción a la ciudad de Osaka.

Desde un inicio se presentan algunos cambios que pueden hacer enarcar las cejas al fan más acérrimo, Y puede que los nuevos espectadores se sientan demasiado perdidos. Aunque la película trata de dar las explicaciones necesarias e introducir los elementos clásicos de este universo (y algunos nuevos para los que solo tengan como referencia el anime o los live actions). Además de que se encarga de que esto quede en un segundo plano al hacer que la acción sea lo primordial en la película. Pues la trama no deja de ser la misión que la misteriosa esfera les encomienda cumplir a nuestros protagonistas. Y no es otra que liquidar a un ejército de criaturas y a su inquietante líder que están haciendo estragos en las calles de Osaka.




La presentación y desarrollo de personajes es justa y necesaria para lo que pretende ofrecer la historia: una sangrienta batalla. A lo que ayuda la marcada personalidad de cada uno de sus personajes. Además de que el equipo de Osaka es un estupendo añadido al mostrarnos a unos individuos que pueden llegar a disfrutar con estas brutales misiones. 

Las criaturas a batir toman su apariencia del folklore nipón (mención a parte al líder, quien se guarda más de un vistoso as en la manga). Esto puede llegar a descolocar al profano cuando se hable un poco de su verdadera naturaleza.  




Yasushi Kawamura se desenvuelve muy bien en su debut en la dirección. Y el guión de Tsutomu Kuwoira capta a la perfección la esencia Gantz. Con la violencia extrema, los voluptuosos personajes femeninos, las armas y equipamiento de ciencia ficción y las grotescas criaturas a batir.

Si de algo hay que hablar sobre Gantz: 0 es sin ninguna duda sobre su magnífica animación digital. Cierto que aún no puede decirse que sea PERFECTA. Pero queda claro que esta película supone un GRAN salto adelante. Los movimientos, las expresiones, esos juegos de luces y sombras... Está claro que esta animación le sienta como un guante a la historia de Gantz. Que espero que pueda continuarse en más largometrajes similares.




Aunque podría llegar a considerarse un reboot. En sus últimos minutos, Gantz: 0 se descubre como un nuevo capítulo en esta serie de adaptaciones. 

En definitiva, Gantz: 0 resulta ser una agradecida nueva aventura en la gran pantalla de esta brutal historia que parece haber encontrado su mejor estilo a adaptar con esta estupenda animación CGI.




Lo Mejor: La animación y las criaturas. 

Lo Peor: Puede que llegue a descontentar a los fans veteranos y desconcertar a las nuevas audiencias.



El terror en la mochila: Iglesia de San Jorge (República Checa)



Hoy me cuelgo la mochila y me adentro en un sitio que pone los pelos de punta: La iglesia de San Jorge. Estos templos, ya de por sí, me dan mucho miedo, pero esta tiene un plus que la hace terrorífica: las estatuas de yeso que viven en ella. Estas representan a las distintas personas que, de estar la iglesia abierta, se encontrarían ahí: gente rezando, de pie al lado de la puerta o arrodillados. Vamos, infarto multiplicado por doscientos mil al poner un solo pie dentro.

En el año 1968, el techo de la iglesia colapsó durante un funeral, por lo que los residentes del lugar lo achacaron a un mal presagio. De boca en boca pasaron estos rumores, hasta que la iglesia pasó a conocerse como un sitio maldito. Así estuvo hasta el año 2014, cuando Jakuv Hadrava la convirtió en el escenario idóneo para su tesis y puso ahí las figuras de yeso que tan mal rollo dan, lo que trae a diario a turistas que no dudan en sentarse cerca de ellas.


Hoy en día se la conoce como La iglesia de los nueve fantasmas, y tiene a sus estatuas en una misa perpetua y aterradora.
Está dentro de los 5 lugares más terroríficos del mundo, y no me extraña nada, pues solo con ver las imágenes se le pone a uno mal cuerpo. Dicen que si entras allí de noche y te sientas entre las figuras en completo silencio, puedes llegar a escuchar sus rezos. Pies, para qué os quiero.


Fuentes:

https://www.viralismo.com/la-iglesia-mas-aterradora-del-mundo/4

http://culturainquieta.com/es/arte/escultura/item/11367-san-jorge-de-lukova-la-tetrica-iglesia-de-los-nueve-fantasmas.html



lunes, 27 de marzo de 2017

Reseña: El Factor RH, de Mikel Murillo




Sinopsis:

En un futuro no muy lejano gobernado por vampiros, unos chicos harapientos son abandonados en una selva amazónica, sin saber cómo y por qué llegaron allí. Su única salida, adentrarse en la espesura de un hogar sin límites durante la noche.

Mientras tanto, en un lugar paralelo, una joven llamada Dunya, está a punto de ser sometida a un programa de reciente creación, “el factor RH”.

La desesperación, el trabajo en equipo y el instinto de supervivencia, marcarán sus vidas en un intento por hallar la respuesta a todo lo que les rodea.

Opinión:

Mikel Murillo ha creado un universo en donde los vampiros son criaturas que dominan el mundo y los humanos simple alimento y seres para la experimentación.

Allí, conoceremos dos historias que se entrelazan: Juwet y los cristalinos, unos jóvenes sin recuerdos que intentan sobrevivir como pueden en una selva bajo la constante amenaza de los trasnochados; y Dunya, una chica que vive afinada con su familia y el resto de humanos y que, al cumplir los dieciocho, es usada en un experimento donde acaba en la misma selva que los cristalinos.

Debo decir que me ha gustado mucho el personaje de Dunya, ya que es el que más conocemos y entendemos muy bien sus motivaciones.
De los cristalinos, creo que con los que más he disfrutado es con Minus y Ausie, aunque Nitra, a pesar de darme rabia en algunos momentos, se ha ganado una mención especial gracias a ser toda una guerrera.

La historia me ha parecido original. Al principio puede recordar un poco a Los Juegos del Hambre, pero esa similitud se aleja a medida que vas pasando las páginas. El Factor RH es algo nuevo dentro del género de vampiros, y aunque en algunos momentos lo he encontrado confusa, las dudas se van disipando y espero que las preguntas que quedan pendientes de respuestas sean resueltas en una segunda parte.
Y es que ese final invita a ello.

La narración es fluida, rápida y no se hace para nada pesada. La única pega que le he encontrado, y es gusto personal, es que sea tan correcta, ya que al ser en primera persona y tratarse de gente joven creo que estaría bien usar más coloquialismos, cosa que en los diálogos sí se hace. Pero en conjunto se hace muy amena.

¿Lo recomendaría?

Si buscas una historia de vampiros diferente y te gusta la distópia juvenil con toques de suspense, acción y terror (porque menudos son los trasnochados), éste es tu libro.

Muchas gracias a Mikel por el ejemplar.

 

viernes, 24 de marzo de 2017

Crítica Assassin´s Creed de Justin Kurzel




Muy pocas son las adaptaciones cinematográficas de videojuegos que apenas logran ganarse el aprobado. El lenguaje cinematográfico y el del videojuego son bastante distintos (a pesar de que en los últimos años los segundos tratan de parecerse más a los primeros). Y resulta bastante complicado lograr trasladar toda esa experiencia a los mandos a la butaca del cine. Siendo la mayor parte estrepitosos fracasos y el resto apenas películas apenas perdonables.

Quizás la adaptación más exitosa de un videojuego sea la de Resident Evil (cuyo último capítulo ha sido reseñado recientemente en Castle Rock Asylum). Y lo es distanciándose bastante de la saga zombi de Capcom para crear su propia mitología. Este parece ser también la intención de la película que nos ocupa. La adaptación cinematográfica de Assassin´s Creed.




Fue en 2007 cuando Ubisoft lanzó al mercado el primer Assassin´s Creed. Cuya gran aceptación allanó el camino para sucesivas entregas jugonas a las que se le han unido cómics y novelas. Haciendo que esta sea una de las nuevas franquicias de esta generación. Era cuestión de tiempo que se decidiesen a probar suerte con el salto de fe en el mundo del cine. Para ello se ha logrado que Justin Kurzel, director de la última versión cinematográfica de Hamlet, se ponga tras las cámaras y vuelva a dirigir a Michael Fassbender (X-Men: Apocalipsis, Centurión) y Marion Cotillard (Aliados, El Caballero Oscuro; La Leyenda Renace).

Es importante el recalcar que esta película quiere ser algo más que una adaptación y abrir un nuevo camino. Para empezar lo demuestra con su mismo protagonista. Callum Lynch es una creación original para la cinta. Al igual que la decisión de que el marco histórico elegido sea la España del Siglo XV en vez de las otras ya de sobra conocidos por los principales videojuegos (es cierto que el de Nintendo DS titulado Discovery ya se ambientaba en esa época). O el mismo Animus "sufre" un lavado de cara para hacerlo más atractivo de cara a las características cinematográficas.




Claramente todo esto viene asentado por los elementos y temas característicos de la saga y ya resabidas por los jugones. Pero que aquí son descubiertas por los profanos. Quienes, por desgracia, seguramente queden bastante desconcertados tras ver la película. Pues esta aún parece que piensa que la mayor parte del público serán veteranos del videojuego. Y a pesar de que tengamos una de esas típicas introducciones escritas. En el resto del metraje todos esos elementos son vagamente presentados y trabajados. Siendo el más sangrante el mismísimo Fruto del Edén. El objeto más importante de este universo y que acaba relegado a un mero Macguffin

Esto también puede venir debido a que la película parece que quiere asentar las bases para una saga cinematográfica. Y confía tanto en esto que prefiere guardarse todos esos ases bajo la manga. Cosa que puede jugar MUY en su contra de verse comprometido ese futuro en el cine y al valorar esta película como parte independiente. 




La película se apoya bastante en la acción. Estupendamente coreografiada y que acaba siendo de lo más valorable y disfrutable del conjunto (como debe de ser en una historia con un gremio de Asesinos acrobáticos). El resto de temas transcendentales que parecen querer presentar con todo el tema del Fruto y el Libre Albedrío apenas se sienten reales en la boca de los personajes. Y el espectador se encuentra deseando que las cuchillas vuelvan a encontrar la carne enemiga.  

El interesantísimo marco histórico (con todas sus licencias, claro está) resulta estar bastante ninguneado y con los minutos contados. La película decide transcurrir casi en su totalidad en la época actual. Y hasta cuando se dan las escenas de lucha en la España de la Inquisición se utiliza el recurso del Animus. Es así como la película logra que los personajes de este pasado se sientan de lo más ajenos. Y que los villanos (sobre todo el Inquisidor Tomás de Torquemada, interpretado por nuestro paisano Javier Gutiérrez) acaben siendo de lo más olvidables. 




Aunque esto no solo se limita a las partes del pasado. La escritura de personajes es bastante deplorable. Y más teniendo a actorazos como Jeremy Irons (La Misión, M Butterfly) o Brendan Gleeson (Calvario, Braveheart) en el reparto. Por lo menos el de Fassbender se guarda los mejores momentos y frases. A parte de que se nota que se lo ha pasado genial trabajando en esta película (no por nada decidió ejercer de productor).

La BSO la firma el hermano del director. Y he de reconocer que resulta un gran trabajo. Logrando temas muy potentes.

Comentar también un detalle que en un principio se agradece, pero que a la hora de ver la película preferirías que no se terminase haciendo. Y es el de que los personajes en la España del S. XV hablen castellano. Está bien en el caso de Javier Gutiérrez y otros actores patrios (además de que ayuda a crear sensación de coherencia). Pero duele bastante en el caso de actores como Fassbender o Ariane Labed (The Lobster, Magic Men). Cuyo contacto con el idioma de Cervantes, parece que solo ha sido el guión de esta película. Con lo que sus diálogos suenan forzados y para nada convincentes. Fastidiando bastante la experiencia al espectador (servidor la vio en VO. Desconoce cómo lo han hecho en la versión doblada).

La película se aboca a un acelerado desenlace al que le afecta bastante la sensación de querer forzar una continuación que podría no llegar. 

Assassin´s Creed NO es esa gran adaptación de videojuego que contentará a jugones y profanos por igual, Comparte este error con la también estrenada en 2016 Warcraft: El Origen. Pero hay que decir a su favor que busca crear un nuevo camino que case con el lenguaje cinematográfico a partir de todo lo presentado en los videojuegos y ganarse una nueva audiencia. Además de contar con unas escenas de acción que bien suponen un gran reclamo para darle una oportunidad a su visionado. 




Lo Mejor: Cuenta una nueva historia a partir de lo ya presentado en los videojuegos. Las escenas de acción.

Lo Peor: El confiar tanto en una continuación y dejar tantas cosas en el aire. No aprovechar las partes en la España de la Inquisición y a Torquemada.



miércoles, 22 de marzo de 2017

El terror en la mochila: Mansión Winchester (California)



Hoy, por petición de la directora del manicomio, he viajado hasta San José, California, para visitar la Mansión Winchester. ¿Y qué tiene de especial? En ella vivió Sarah Winchester, viuda del inventor del rifle y tiene unos 24.000 metros cuadrados que estuvieron en construcción durante 38 años, hasta que Sarah falleció. Hasta aquí todo podría parecer normal, pero la cuestión es que está considerada como uno de los lugares más embrujados de Estados Unidos y, si entras solo, procura no perderte, porque es tan grande que nadie asegura que vuelvan a encontrarte.

Sarah sufrió las muertes de su hija y de su marido y cuando visitó a una médium, esta le dijo que estaba maldita por todas las muertes ocasionadas por las armas inventadas por su difunto esposo, y le recomendó comprar una casa, ponerla en construcción y no terminarla nunca, para que así los espíritus no lo consideraran un hogar.


Sarah Winchester
La casa era tan atípica como su dueña, por lo que dentro podemos encontrar escaleras que no llevan a ningún sitio, puertas que dan a paredes y otras cosas extrañas, como más de 10.000 ventanas, algunas dentro de la misma casa.

Os puedo asegurar que al poner el pie dentro de esta casa nos encontramos muchos fenómenos paranormales, como corrientes de aire frío que nos congelan hasta el alma, portazos, pasos y ojos fijos en nuestras nucas.

Actualmente está convertida en un parque temático, el Winchester Mistery House, aunque algunos parasicólogos aseguran que el espíritu de Sarah sigue vivo en su mansión, acompañada de otros muchos que se reparten por las 160 habitaciones que componen esta mansión y los hermosos jardines victorianos que la rodean. No puedes dejar de colgarte la mochila del terror al hombro y hacer dedo rumbo a San José para adentrarte, siempre acompañado, en la Mansión Winchester. No te arrepentirás.


Fuentes: 

https://es.wikipedia.org/wiki/Mansi%C3%B3n_Winchester

http://www.pasarmiedo.com/el_misterio_de_la_casa_winchester.php



lunes, 20 de marzo de 2017

Crítica Al otro lado de la puerta, de Johannes Roberts



Sinopsis:

Maria, una mujer que ha perdido recientemente a su hijo, descubre un ritual que le permite despedirse del niño, pero por error se abre la puerta entre este mundo y el de los muertos. Maria deberá arriesgarlo todo para salvar a su familia del espíritu del que un día fue su querido hijo.


Opinión:

Le tenía ganas desde que vi el tráiler. Y, a pesar de su premisa, me ha parecido algo desigual y os diré porqué.

Maria y Michael son un matrimonio que vive en la India junto a sus dos hijos. Debido a un accidente de coche, Maria debe tomar una difícil decisión en la que pierde a su hijo Oliver pero salva a su hija Lucy.
Deprimida, intenta suicidarse. En el hospital, Piki, la criada que vive con ellos, le cuenta que existe un lugar en donde hay una puerta que separa el mundo de los vivos y los muertos y que podrá despedirse de Oliver si esparce sus cenizas allí. Sólo hay una regla: nunca abrir la puerta, da igual lo que ocurra.

Como ya podéis imaginar, Maria no sigue las normas y trae de vuelta a Oliver, aunque éste se va corrompiendo a medida que pasa el tiempo.


La idea me gustó mucho, ya que creo que tiene mucho juego, pero la cinta se hace algo pesada y la última parte me pareció algo caótica (salvo los minutos finales, que hay que decir que son todo un acierto).

Puedes llegar a empatizar con Maria (Sarah Wayne Callies), ya que es una madre desesperada y rota por los acontecimientos, así que a pesar de que hay algunas situaciones en las que te dan ganas de estrangularla, sus actos son más que comprensibles.

Debo hacer mención a Myrtu, interpretado por Javier Botet, que para mi gusto la mostraron poco y se merecía más minutos en pantalla.

La idea de la puerta que separa los dos mundos y la localización me han gustado mucho, y pienso que podrían haberle sacado más provecho, pero la última media hora se hace demasiado rápida y confusa. Y no, no me refiero a que no se entienda, si no que me ha resultado bastante forzada, y lo que hubiera sido una buena película sobre fantasmas diabólicos y mitología hindú se convierte en una más del montón.

¿La recomendaría?

A pesar de ser algo lenta y su último acto, tienes buenos momentos, por lo que resulta entretenida.


 

viernes, 17 de marzo de 2017

Crítica Kong: La Isla Calavera de Jordan Vogt-Roberts




El Kaiju Eiga está de vuelta. Este género que tanto popularizó Japón en las décadas de los 50, 60 y 70 vuelve a estar presente en las pantallas de cine de todo el mundo. El cine blockbuster debe encontrar dignos adversarios que luchen en taquilla contra las titanicas producciones superheroícas. Y estos monstruos gigantes bien pueden lograr darles la réplica.

En 2013, Guillermo del Toro (Blade II, La Cumbre Escarlata) comenzó a allanar el terreno con Pacific Rim (que actualmente está produciendo su secuela), donde asistíamos a las colosales batallas entre robots gigantes y monstruosidades alienígenas. Al año siguiente, Gareth Edwards (quien aún se recupera del éxito de Rogue One: Una Historia de Star Wars) nos traía la nueva versión americana de Godzilla (que tiene MUCHO que ver con Kong) y el año pasado los japoneses decidieron no quedarse atrás con una actualización del clásico de Ishiro Honda (y próximamente tendremos otra película nipona del monstruo, esta vez, en formato animado digital).

Y ahora es el turno de que el otro Rey de los Monstruos vuelva a irrumpir en la gran pantalla. Y lo hace con la contundente Kong: La Isla Calavera.




Hablar de King Kong es hablar de la historia del cine. El simio gigante vio la luz en 1933 y calando en el imaginario colectivo hasta nuestros días. Muy pocos serán los que no se sepan la historia. Quienes no logren evocar las imágenes de Kong y Fay Wray tanto en el selvático hogar del simio como en su desafortunado final en la cima del Empire State Building. King Kong era una película Kaiju sin ser consciente de ello. Porque por aquel entonces no teníamos tantas etiquetas como ahora para catalogar las películas.

La historia de Merian C. Cooper se ha estado revisitando a lo largo de las décadas, siendo el último remake que se hizo el de Peter Jackson (Braindead, El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo) en 2005. Pero Kong: La Isla Calavera NO es un remake. El relanzamiento cinematográfico de este particular simio y su salvaje reino se alejan de lo que ya todos conocemos de sobra para mostrarnos un nuevo enfoque y reimaginación en este palomitero espectáculo digno del disfrute en la gran pantalla.




El marco histórico escogido no es otro que 1973. Con las tropas americanas abandonando Vietnam. Pero una unidad es contratada por un grupo de investigadores que quieren escolta para una visita a la Isla Calavera. Un inexplorado lugar en el que les aguardan mil y un peligros... Por no hablar de la titanica presencia del regente de la Isla: Kong. Al que es mejor no tener como enemigo...

La película tiene una inmejorable puesta en escena a la hora de retratar esa época. Y no es nada complicado notar los homenajes e inspiración de los clásicos bélicos que son Apocalypse Now y La Chaqueta Metálica. Todo un acierto a la hora de añadir todo ese componente bélico a este nuevo tratamiento. 

La fotografía de Larry Fong (Batman V Superman, 300) logra hacer aún más impactantes y espectaculares no pocas escenas del film (el listón lo deja MUY alto la primera visión de Kong ante los helicópteros y el sol dándole la espalda). Aspectos y detalles a destacar teniendo en cuenta que no dejamos de hablar de una película de monstruos gigantes.




El tema más criticable de Kong: La Isla Calavera. Junto a un guión bastante flojo es sin duda los personajes minimamente caracterizados. Resulta bastante sangrante al tener en cuenta de que la película cuenta con un repartazo. Pero como ya he dicho, los personajes están escritos lo justo y necesario de cara una película de estas características. Por supuesto, los que más brillan son los de Samuel L. Jackson (Los Vengadores, Los Odiosos Ocho) y el de John C. Reilly (personaje que creía que solo sería el alivio cómico, que también lo es, pero que acaba siendo el más completo y enternecedor del grupo y, sin duda, el mejor). John Goodman (Red State, Calle Cloverfield 10) pierde fuelle al poco de llegar a la isla. El dúo conformado por Tom Hiddleston (High-Rise, Thor) y la oscarizada Brie Larson (próximamente la veremos en el UCM siendo la Capitana Marvel) no tiene la química esperada ni merecen ser considerados los protagonistas del film. Y el resto del equipo pasan de lo simple a lo anecdótico. Aunque la innata capacidad actoral de la mayor parte del cast logran que no desechemos tan fácilmente a estos personajes como en cualquier otra producción de estas características.




Esto no deja de restarle importancia a la película. Cuyo máximo exponente es la isla y el simio gigante. Que muestran y lucen a mansalva. Si en el Godzilla de Edwards no fueron pocos los que criticaron el exceso de protagonismo de los personajes humanos en vez de las criaturas, ahora que en La Isla Calavera ocurre más lo contrario parece que prosiguen las quejas... 

La película desborda espíritu Pulp por los cuatro costados. El King Kong de Jackson ya lo demostró en su primera parte del film. Justo la dedicada a la exploración de la Isla Calavera. Y esto es tónica en Kong: La Isla Calavera. Si el espectador busca una adrenalítica aventura en una Isla repleta de monstruos e imposibles criaturas no dejará de disfrutar del espectáculo continuo.

Esto no quita que la película no pueda transmitir unos fuertes mensajes antibelicistas y ecologistas a pesar de ser una Monster Movie. Dotando de profundidez al film pero sin permitir que esto perjudique al espectáculo que debe de ser. Que, por cierto, se guarda otro as en la manga. Porque además de ser una nueva versión de King Kong, resulta pertenecer al Universo Cinematográfico que se presentó en el Godzilla de Gareth Edwards. Logrando que Kong: La Isla Calavera sea también una precuela que presente el origen de Monarch y siga explorando este mundo repleto de criaturas diluvianas. Todo esto sin perder en ningún momento su entidad propia como reinvención de King Kong.




Y ya hablando de la criatura en cuestión. Decir que es tan imponente y espectacular como debe ser (ESE primer encuentro ya justifica el gasto de la entrada). Que nos libramos del imposible romance (aunque se hayan dejado un par de guiños) y que se enfatiza más en la figura de Kong como el defensor de la isla contra las bestias más peligrosas que puedan acechar en ella. Además se le añade un componente dramático que bien podría haberse explorado más. Pero que tal como está mostrada cumple y hace funcionar al conjunto. Todo esto solo hace que el personaje sea más atractivo y que merezca la pena estar atento a su próxima aparición.

El resto de la fauna de la Isla es igual de increíble y MUY imaginativa (sobre todo cierta araña que provoca una de las escenas más inquietantes del conjunto). Por no hablar de los Skull Crawlers (en VO), que se presentan como una amenaza digna de enfrentarse al Rey. Y la propia Isla se guarda más de un secreto y acaba teniendo tanta entidad propia que bien puede considerarse un personaje mas.




Jordan Vogt-Roberts, quien tiene como experiencia previa unos cuantos capítulos de series y alguna que otra película indie, afronta la mar de bien esta super producción. Saca lo mejor del escueto guión que le han echado a la cara con un fuerte y característico componente estético y visual, homenajeando y haciendo guiños a un sin fin de películas (no solo las de Kong) y pasándoselo pipa con los monstruos y espectaculares escenas de acción que pueblan la película. 

El soundtrack de la película, que cuenta con temas de The Chambers Brothers, Black Sabbath, Creedence Clearwater Revival... son la guinda del pastel en cuanto a la culminación de la puesta en escena setentera. Sin menospreciar el estupendo trabajo de Henry Jackman (Kingsman, Capitán América: Soldado de Invierno) en la BSO.

Kong: La Isla Calavera es un espectáculo palomitero de primera (absténganse los que busquen algo más que una Monster Movie) con una fuerte y característica puesta en escena que ofrece un agradecido lavado de cara a todo un clásico del cine. Y que se enmarca en un nuevo y prometedor Universo Cinematográfico (no os perdáis la escena post créditos) al que merecerá la pena seguir la pista. 




Lo Mejor: Monstruoso espectáculo la mar de disfrutable que reinventa un clásico del cine. Su puesta en escena y fotografía.

Lo Peor: El excelente cast invitaba a hacer personajes más memorables. La gente que espera más que una Monster Movie. Tener que esperar hasta el 2020 para asistir a su enfrentamiento contra Godzilla.



miércoles, 15 de marzo de 2017

El terror en la mochila: Isla de las muñecas (México)



Muñecas rotas, pintadas y abandonadas, cuelgan ahorcadas o decapitadas en nuestro nuevo destino turístico: La isla de las muñecas, situada al sur de México. Esta isla era cuidada por  Don Julián Santana y se cuenta que encontró a una niña que se ahogó en las aguas cercanas. Al poco tiempo de este suceso, encontró una muñeca que estaba flotando el agua y la colgó en los árboles para mostrar respeto y ahuyentar el espíritu de la niña muerta. Durante 50 años, hasta que se ahogó en las mismas aguas (como veis, de nada le sirvió), siguió colgando muñecas y ahora es una atracción turística de mucho interés. Y no me extraña, a los que estéis tan perturbados como yo os encantará pasearos por allí, aunque sea muertos de miedo, ya que las malas lenguas cuentan que en realidad fue ahogado por sus propias muñecas. Según palabras del propio Julián "las muñecas lo acompañaban, le hablaban y lo arrullaban para que pudiera dormir".

Estos pobre juguetes rotos cuelgan de árboles, alambres o estacas, pintados, mutilados o decapitados, llenos de telarañas y bichos. Algunos visitantes de la isla regalaban muñecas a Julián, como muestra de agradecimiento por dejarlos entrar, y este las añadía a su colección. Este hombre tenía su preferida, Agustinita, que aun descansa en la isla, dentro del que fue el dormitorio de su cuidador. A día de hoy, la isla sigue recibiendo multitud de visitas, ya que, lejos de temer a las muñecas, se cree que protegen de los malos espíritus y ayudan a los cultivos. Se puede visitar a cualquier hora del día, pero sin duda, es mucho más impresionante de noche, cuando no hay luz eléctrica y las cucarachas campan a sus anchas por las cuencas y bocas de estas muñecas rotas.

Por supuesto, se convirtió también en parte del mundo del cine ya que, en el año 1943, el cineasta mexicano Emilio “Indio” Fernández grabó ahí la película “María Candelaria”. Sin duda, un lugar para visitar antes de pasar al otro lado, sea este cual sea.



Fuentes:

http://lavozdelmuro.net/los-29-lugares-mas-terrorificos-del-mundo-te-pondran-la-piel-de-gallina/

https://es.wikipedia.org/wiki/Isla_de_las_mu%C3%B1ecas

http://www.rinconabstracto.com/2011/11/la-isla-de-las-munecas-causa-terror-en.html

lunes, 13 de marzo de 2017

La Sala Común: Santa Clarita Diet T.1




Una de las apuestas televisivas más recientes de ese gigante del VOD que es Netflix es Santa Clarita Diet. Una comedia que se caracteriza por el uso de un elemento que para los internos de Castle Rock Asylum seguro que no les es para nada ajeno: el tema zombi.

"Una pareja de agentes inmobiliarios que parecen estar estancados en una, aparente, idílica vida familiar en una zona residencial ven como sus vidas toman un rocambolesco y visceral nuevo rumbo cuando la mujer acaba convirtiéndose en un ser que necesita consumir carne humana fresca".

La serie creada por Victor Fresco es una apuesta la mar de arriesgada. Y lo cierto es que, aunque acabe siendo un pasatiempo bastante ameno, da la sensación de que no logra cumplir su cometido... Sea cual sea.




Santa Clarita Diet muestra una gran valentía al no contenerse a la hora de mostrar escenas desagradables y de casquería que pueden recordarnos a los primeros trabajos de Peter Jackson. Esto ya puede hacer perder a muchos espectadores que pueden que no pasen de la comentada vomitona de la prota o de su primera "cena gourmet". Tampoco voy a decir que la serie se regodee en esta clase de escenas, pero sí que pueden herir la sensibilidad de los espectadores poco acostumbrados al splatter. Al fin y al cabo, esto no deja de ser una comedia ligera (pero que tiene una zombi devora hombres). 

El tema zombi no está del todo bien presentado en la serie. Y esto es algo bastante malo teniendo en cuenta que es lo que básicamente la hace diferente. Aunque en un principio no se molestan en querer indagar en el origen del mal que afecta a la prota, en la recta final de la temporada se trata de arrojar luz al asunto y buscar una "cura". Temas que podrían haberse prescindido para aprovechar mejor la concepción tan particular de zombi que tiene esta serie. Que se aleja bastante de la imagen que solemos tener de estas criaturas. La No Muerta encarnada por Drew Barrymore (Scream, E.T.) apenas muestra signos de putrefacción, y es más Vivivente que Muerta. Siendo el verdadero motor de la serie y que fastidia que sea opacada por la trama de "investigación" por parte de su marido en la ficción (Timothy Oliphant).

Y es que la sensación general de Santa Clarita Diet es que es una serie malograda que no termina de despegar en ninguno de los temas que propone (incluso en esa prometedora revisión del leitmotiv de Dexter). Esto puede venir bastante influido por la corta duración de la temporada (diez episodios de apenas media hora de duración cada uno). Pero creo más bien que se debe a que los propios creadores no saben a dónde llevar la serie y parecen querer escurrir el bulto a una segunda temporada que (al menos a un servidor), a priori, se antoja innecesaria. 

El tema de la duración es un arma de doble filo. Por un lado, permite que no moleste tanto darlo una oportunidad a la serie y verla al completo (además Netflix ofrece la temporada integra el mismo día del estreno). Pero por otro, la recta final se antojará más sangrante. 

La puesta en escena del mundo de Santa Clarita Diet está muy bien lograda. Y se echa en falta más escenas de Sheila y Familia interaccionando con todas esas cosas mundanas como son las barbacoas vecinales, las sesiones de footing, las charlas con el director... mientras lidian con su voraz problemilla. 



La serie se apoya en la pareja protagonista. Barrymore está sensacional en su papel de Sheila sencillamente porque se nota que se lo está pasando en grande interpretándola. Y eso está genial, pues la gracia del personaje es que la transformación en zombi la ha desinhibido tanto que puede estar bromeando tras haber hecho un smoothie de vísceras de su última víctima y acto seguido dejar sin habla a su marido en la cama. 

La réplica se la da Timothy Oliphant, cuyo personaje trata de aceptar sin mucho éxito el brutal cambio de su mujer y intenta ser la voz de la razón en esta sangrienta locura. 

Por otra parte tenemos a Liv Hewson dando vida a la hija del matrimonio de agentes inmobiliarios y a Skyler Gisondo siendo un joven nerd que dará la primera opinión a la pareja protagonista sobre la zombificación de Sheila. Ambos quedan a medio gas. El de Liv por hacerla aceptar tan fácilmente las nuevas costumbres culinarias de su madre y el segundo por desaprovechar toda esa vía cómica de los primeros episodios que es el hacerlo parecer un experto contando que su experiencia con el tema zombi no pasa de las series, películas o cómics. 




El resto de secundarios por muy interesantes que puedan parecer apenas tienen protagonismo. E incluso la presencia de dos grandes de la comedia como son Nathan Fillion y Patton Oswalt tan solo quedan en cameos puramente anecdóticos. 

Santa Clarita Diet resulta ser una propuesta de agradecidas intenciones pero que no termina de hacer despegar ninguna. Aún así arranca alguna que otra carcajada y no deja de ser una buena opción para pasar un distendido fin de semana de gracietas y casquería de extrarradio. Aunque habrá que ver si los Hammond han calado tan hondo en mi alma de espectador como para querer saber qué ocurre con ellos en la segunda temporada.




Lo Mejor: Drew Barrymore. El ser una sitcom splatter. 

Lo Peor: El no terminar de apostar de verdad con ninguno de los frentes que presenta. Lo forzado e innecesario que parece esa recta final que busca desesperadamente una segunda temporada.



viernes, 10 de marzo de 2017

Crítica Southbound, VVDD




Sinopsis:

De los creadores de una de las más populares compilaciones de terror, la antología "V/H/S", nos llega esta película que encierra cinco relatos conectados entre sí. Todo gira en torno a unos viajeros que, en plena noche y en medio de una carretera desértica, comienzan a sufrir de agotamiento. Los distintos miembros del grupo se verán abocados a lidiar con sus peores pesadillas y con sus secretos más ocultos. 



Opinión:

La verdad es que no sabía qué esperar de esta película. Y al final, me ha resultado de lo más entretenida.
Las diferentes historias que nos presentan tiene un nexo en común: todas se centran en el mismo sitio: un lugar perdido en el desierto y que comunica con una carretera a ninguna parte.
Pero, mejor vayamos por partes, y os cuento qué me han parecido una por una las cinco historias que forman esta antología visual.

The Way Out (Dir. Radio Silence): La primera comienza con dos hombres ensangrentados que paran en una gasolinera. Allí, son acosados por unas figuras semejantes a la Parca que no les dejará tranquilos.
Esta parte me pareció interesante, además el final es un puntazo, sin dar spoilers, y que deja con muy buen sabor de boca.

Siren (Dir. Roxanne Benjamin): Tres chicas, componentes de un grupo de jazz, se quedan tiradas en medio de la carretera. Una pareja de “buenos samaritanos” les recoge para que puedan descansar en su casa hasta el día siguiente.
Entretenida. Sin más.


The Accident (Dir. David Bruckner): Un hombre atropella a una mujer en medio de la carretera. Empieza una carrera contrarreloj para tratar de salvar la vida de la joven.
El que más me ha gustado. Lo he encontrado dinámico, con un humor ácido y negro, sádico y sorprendente.

Jailbreak (Dir. Patrick Horvath): Un hombre irrumpe en un bar en busca de su hermana pequeña. Pero descubrirá que a veces, es mejor dejar el pasado atrás.
El que menos me ha gustado. Si bien lo referente al pueblo es original, la historia no me ha acabado de enganchar.

The Way In (Dir. Radio Silence): Una familia va a pasar unos días juntos antes de que la hija se vaya a la universidad. Lo que parece ser un idílico fin de semana se volverá en la peor de las pesadillas.
Aunque no sea el mejor de todos, el enlace que hace con otro de los fragmentos de la película da mucho juego, y a pesar de ser el menos aterrador, es de los más disfrutable.

¿La recomendaría?

Me ha parecido una película regular, pese a que algunas historias sobresalgan por encima de otras, la que me menos me ha gustado (Jailbreak), tiene un toque interesante.
Para pasar un rato entretenido.