Castle Rock Asylum

Bienvenidos a la locura.

I Convocatoria Literaria de Castle Rock Asylum

Toda la información, aquí.

The Other Side, de Conrad Mess

Crítica Cortometraje por Rain Cross.

Children of the corn: Runaway, de John Gulager

Crítica por Chica Sombra.

Doble Sesión: Suicide Squad: Hell To Pay y Batman Ninja

Por Rubén "Reaper" GonzáleZ.

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viernes, 25 de mayo de 2018

Crítica Cortometraje The Other Side, de Conrad Mess



Sinopsis:

La oscuridad te envuelve. El mal acecha detrás de cada puerta. Las tinieblas aguardan expectantes, al final de la escalera. No permitas que su veneno corrompa tu alma. No permitas que te atrape lo que hay... al otro lado.

Opinión:

De nuevo en Castle Rock Asylum analizamos un cortometraje, ya que el horror en pequeñas dosis también pueden ser joyas dentro del género.

The Other Side está dirigido por Conrad Mess basado en una historia de Marina Gómez y fue ganador del Phonetastic 2013, del Golden Orchyd de Pensylvania, del Iphone Film Festival de Los Ángeles, y del TERRORIFIC de Manresa, donde se llevó los premios a Mejor Corto y Mejor Actriz. 

Protagonizado por Cristina Castaño (La que se avecina), Pedro Pablo Isla (El secreto de puente viejo), Yaiza Grajales y Jana Lafuente, está rodado con un Iphone 5 y los efectos que podemos ver en él fueron realizados por Virtual Art.

La música es envolvente, de esas que, a pesar de su dulzura, sabes que esconde el peor de los secretos. Y nada más empezar, con esos golpes que auguran un mal mayor, te mantiene enganchado a la pantalla del ordenador.

La imagen está muy cuidada, en blanco y negro y destacando el rojo en todas sus variantes (fuego, pequeñas luces... sangre) que se convierte sin quererlo en uno de los protagonista de la historia. La iluminación recuerda al cine negro de Hitchcock, cargada de luces, sombra y misterio. Para mí, ha sido todo un acierto darle ese aire a cine de terror clásico.

La narración es pausada, mostrando sus secretos poco a poco. La historia es de la escritora Marina Gómez (quien también hizo el storyboard) que nos demuestra que, con pocos minutos, se puede crear una buena (y espeluznante) historia de miedo.
Sin querer hacer spoilers para que los que os decidáis atreveros a verlo y así lo disfrutéis al máximo, creo que la entidad o monstruo elegido (así no os doy pistas) es muy acertado, ya que en un principio piensas que la historia va a ir por un lado y no, y eso me ha sorprendido gratamente.

Los actores están correctos, destacando a Cristina Castaño, que borda el papel, dándole profundidad y una credibilidad necesaria en este tipo de trabajos.

En general, The Other Side es un cortometraje de terror clásico, con una puesta en escena impecable y una historia que os gustará. Eso sí, vedla hasta el final, que hay una pequeña sorpresa.

A continuación, os dejo el link para que podáis echarle un visionado.





miércoles, 23 de mayo de 2018

Crítica Children of the corn: Runaway, de John Gulager




Era muy niña cuando empecé a leer a Stephen King, pero aun más pequeña todavía cuando me iba al videoclub de la mano de mi padre a llevarme a casa las películas más terroríficas que encontraba. Así que crecí viendo, entre otras, las pelis de Los chicos del maíz. Y, casualidades de la vida, el otro día Tony y yo nos encontramos con Children of the corn: Runaway, estrenada este mismo año (aunque no ha llegado a España). Por supuesto, decidimos verla aun imaginando que no iba a ser la película del siglo.

La película está protagonizada por Ruth, una chica embarazada que consigue escapar de la matanza de los niños asesinos del maíz. Trece años después, vive en la carretera con su hijo Aaron, huyendo de los fantasmas del pasado que no dejan de acosarla y de provocarle terribles alucinaciones. Finalmente, deciden establecerse en un pequeño pueblo de Oklahoma, pero su terrible y traumático pasado no piensa dejarlos vivir tranquilos.



La cinta es predecible en general, sobre todo en la "incógnita" principal, pero tiene también un giro inesperado con uno de los personajes que me gustó mucho. Sí que se me hizo lenta, pues los asesinatos se hicieron de rogar y ocurrieron todos prácticamente seguidos, pero aun así, la sangre y las vísceras los dominaron, por lo que me dejaron bastante satisfecha.

La peli está muy ligada con las anteriores y sigue, básicamente, el mismo ritmo. La ambientación me gustó mucho, ya que los pueblos perdidos de Estados Unidos tienen algo que me fascina, me encantaría hacer un road trip recorriendo sus carreteras desiertas y parando en cualquier sucio bar de carretera para comer una buena hamburguesa. De hecho, creo que eso fue lo que más disfruté de la peli, ver cómo comían en ese bar. No es una película que volviese a ver (se me hizo algo aburrida en ocasiones), pero no está mal para ver mientras comes unas palomitas o unas chuches, sobre todo si lo haces en buena compañía.

Lo mejor: la ambientación. El bar de carretera. La sangre.

Lo peor: predecible y lenta.


sábado, 19 de mayo de 2018

Entrevista Paco Cabezas, director y guionista


Primero de todo, darte la bienvenida a Castle Rock Asylum y Chica Sombra. Es todo un honor tenerte por nuestros pasillos.

Tu corto, Carne de Neón, se transformó en 2011 en película. ¿Cómo fue el adaptar a la pantalla grande tu primer cortometraje?

La adaptación no fue nada complicada porque en un principio siempre pensé que quería hacer un largometraje. En realidad, primero escribí el largometraje y empecé a moverlo por productoras y tal, y llegó un momento en el que nos dimos cuenta que la única manera de hacer el largo era realizar un corto antes para vender el estilo del largo, por lo que en realidad primero fue el largo y luego fue el corto. El corto funcionó y ganó varios premios de público, lo que ayudó mucho a captar un poco y adaptar el tono del largometraje para intentar que funcionara tan bien como lo había hecho el corto. 
Entonces, fue un poco como sin quererlo. El corto fue una especie de experimento que funcionó muy bien en el sentido de encontrar el tono de la película, sin embargo luego la película era mucho más arriesgada, ya que el corto era más comercial, más comedia, mientras que la película pensamos en una comedia y luego se iba hacia el drama, el thriller... Varios géneros que me parecieron en su momento la apuesta más lógica y ahora lo veo con cierta perspectiva y pienso "Madre mía, qué locura". El riesgo que tomamos con Carne de Neón, con una película tan ecléctica, tan diferente a un montón de cosas que, creo, aún no se habían hecho en España hasta entonces. 

Uno de tus primeros trabajos fue Aparecidos, film de terror que mezcla la historia real de los desaparecidos en Argentina durante la dictadura con fantasmas. ¿Te costó mucho combinar lo sobrenatural con lo real?

No, en absoluto. No me costó mucho trabajo, al contrario, era la apuesta desde un primer momento. El género de terror, al conocerlo tanto y ser un fan del terror casi desde que tengo conocimiento con las películas de Sam Raimi y con diferentes películas que rompen un poco el género y que lo transforman un en algo diferente, para mí el reto era intentar hacer una película de terror que no se hubiera visto antes. Pensé mucho en El Resplandor, sobre mis películas de terror favoritas, y pensé que creía en ese momento, y creo que sigue siendo cierto, que no se había visto una película de terror basada en hechos reales, algo que había ocurrido, como fue la dictadura en Argentina, e intentar coger esos elementos reales y un poco pensar: "¿Qué es lo más horrible que le puede pasar a un ser humano?" Y cuando pensaba en eso no pensaba en vampiros ni en zombis, pensaba en que te secuestren y te hagan desaparecer. Me parece lo más horrible que se le puede hacer a un ser humano. Entonces, partiendo de ese concepto, intenté desarrollar la película para ir creando esa especie de tensión a fuego lento que van pasando los personajes y siempre intentando huir del susto fácil y respetar esa especie de aproximación al horror real.

Te mueves tanto en la dirección como en el apartado de guión. ¿Qué te gusta más: dirigir o escribir?

Normalmente me gusta más dirigir, la verdad. Hace tiempo me gustaba mucho escribir pero he ido cambiando lenta y progresivamente. Dirigir es algo que disfruto inmensamente porque pienso que el dirigir es como coger los planos de un mapa del tesoro y, de repente, embarcarte en la aventura. 
Es que escribir es muy solitario, y llega un momento en el que te cansas de estar solo, como escribiendo siempre esa especie de mapa del tesoro, y te apetece estar en el barco y hacer el viaje junto al resto de piratas y no sé, me parece siempre una aventura apasionante.




En tu filmografía descubrimos que eres el guionista de Spanish Movie y SexyKiller, y el director de Mr. Right, todas ellas películas con toques de comedia y humor negro. ¿Te gusta darles unas pinceladas de diversión a tus trabajos?

Claro, creo que tiene que ver con el hecho de ser andaluz, no lo sé, es como que veo la vida así, no veo la vida sin sentido del humor, me costaría muchísimo. De hecho, creo que casi todo lo que he escrito tiene siempre una pincelada de humor porque es que no veo la vida de otra manera, me costaría muchísimo ver la vida sin humor, no puedo escribir o crear algo si no hay una vuelta de tuerca siempre. Para mí, creo que el humor es lo más inteligente; digamos que es la última evolución del ser humano. Lo que nos separa de los animales es el sentido del humor, entonces siempre que escribo algo hay ese punto de irme mas allá, intentar marcarlo todo con ese punto de humor, porque creo también que a veces es muy útil. 
Como guionista, muchas veces te encuentras en un callejón sin salida o no sabes como resolver una situación, como es en la vida, y el humor es un desengrasante de situaciones que me parece genial, y que cuando no sabes cómo resolver algo en un guión el humor siempre viene un poco en tu ayuda: es la mejor vaselina para la dramaturgia.

En televisión, has trabajado en The Strain, Penny Dreadful, Fear The Walking Dead e Into the Badlands. ¿Cuales son las diferencias entre dirigir una serie y una película?

No hay para nada diferencia. De hecho, últimamente hay más medios en televisión que en cine, tiene muchas más grúas y muchos más elementos técnico que facilitan el trabajo muchísimo. El cine cada vez es más pobre, difícil y complejo. Es más complicado hacer una película porque no se atreven los productores a tomar el riesgo, y la televisión es una industria estable y que te da la posibilidad, como director, de experimentar y de hacer cosas de las cuales no se tiene miedo, como hiperviolentas y oscuras; mientras que si lo haces en una película independiente se te va ha echar encima el productor porque estaría acojonado de intentar estrenar una película con esos elementos. 
Por eso empecé a hacer muchísima televisión, y tuve la suerte de hacer series que me apasionan, y espero seguir haciendo cine, pero solo si pudiera volver a meter esos elementos dentro, no haciendo una versión dulcificada del cine que adoro.

The Alienist es tu último trabajo; un thriller psicológico con una ambientación muy cuidada. ¿Cómo fue esta experiencia?

Fue una experiencia apasionante, porque trabajar en Budapest, en un Nueva York recreado, imaginado, que era alucinante con unos decorados increíbles y con Daniel Brühl, Dakota Fanning, Luke Evans. No se, era como un proyecto soñado, y más con una novela de Caleb Carr. Soy un gran fan de la novela desde hace años y conocía muy bien la novela, la he leído varias veces, y estaba enamorado de los guiones, y eso me lo facilitaba mucho. 
Como digo, tengo una imaginación muy truculenta, muy oscura, entonces era muy fácil para mí ayudar a Daniel y el resto de actores a recrear ese mundo tan oscuro y tan violento. De alguna manera, me encontraba como en casa. Entonces ha sido, sobre todo, muy divertido. Me sentía como un niño pequeño recreando un mundo en el que de alguna manera, al haber sido un friki toda mi vida y haberme criado con cientos de películas de terror, me he dado cuenta de que estaba un poco volviendo al mundo en el que me siento cómodo; como volver al hogar.




Pregunta obligada: ¿cuál es el libro y/o película que más miedo te ha producido?

Probablemente sea Al final de la escalera la película que más miedo me ha dado, me parece una película excelente. Y el libro, IT, de Stephen King, que lo leí con diez años y me pareció terrorífico. 
La verdad es que las dos son obras excelentes.

La mayoría de las películas y/o series que has realizado tienen un toque fantástico. ¿Desde cuándo te gusta este género?

Desde que tengo uso de razón. Desde que vi Posesión infernal o El Resplandor. Vi demasiadas películas muy truculentas y oscuras cuando era muy muy pequeño, cosa que doy gracias a mis padres por ser tan alocados y no preocuparse en absoluto de mí (risas) ni de prohibirme ver ciertas películas, y eso fue generando esta especie de virus en mi cerebro que luego se ha convertido en mi carrera un poco como cineasta.

Y para terminar, ¿nos puedes contar un poco sobre tus futuros proyectos?

De proyectos futuros tengo demasiados a fuego lento y que prefiero no confirmar, por superstición. El único del que puedo hablar es de la serie American Gods, de Neil Gaiman que ruedo este verano.

Muchísimas gracias de nuevo por visitar nuestros humildes hogares. Esperamos poder disfrutar pronto de tus nuevos trabajos.

¡Gracias!





viernes, 18 de mayo de 2018

Doble Sesión: Suicide Squad: Hell To Pay y Batman Ninja





Aunque al DCEU aún le cuesta arrancar. En el terreno animado, DC le lleva bastante delantera a su eterna competidora: Marvel. La tradición de películas animadas (sobre todo de Batman) nos han dado grandes propuestas (La Máscara del Fantasma y Under The Red Hood como máximos exponentes). Y en los últimos años, la división animada de DC decidió seguir el ejemplo de los cómics y utilizar el evento Flashpoint para que la mayor parte de las nuevas propuestas formen parte de una misma continuidad. Es así como en esta Doble Sesión tenemos la crítica de una de estas películas y la otra se trata de un Elseworld que propone una aventura de Batman en el Japón Feudal.




-Suicide Squad: Hell To Pay, de Sam Liu:

Aunque en 2016 se realizó la película en live-action de esta algo conocida agrupación de personajes de DC cómics que reúne a unos cuantos antihéroes y villanos para misiones secretas y suicidas del gobierno. Fue dos años antes y en terreno animado donde de verdad nos encontrábamos con una película que representaba a la perfección la esencia del Escuadrón Suicida: Assault on Arkham.

La película se encuadraba en el Arkhamverse de los aclamados videojuegos de Batman de Rocksteady. Por lo que el Caballero Oscuro se dejaba caer por el metraje. Pero no tanto como para suponer un lastre como en el caso de la película de Justice League Dark. Desde luego, y más tras la descafeinada versión del DCEU, una secuela de Assault on Arkham se antojaba algo bastante necesario para los fans de DC. Pero no ha sido hasta este año, y con un drástico lavado de cara al adaptarse a la línea Post-Flashpoint Paradox, que tenemos nueva misión para el Escuadrón animado. Lo que parecía avecinar una simpleza tanto estética como narrativa, resulta no ser tanto. Pues para mi sorpresa, Hell To Pay acaba siendo una grata aventura del Escuadrón Suicida. Para nada llegando ni a la mitad de las suelas de Assault on Arkham, pero desde luego sí que han comprendido lo que hace tal esta formación. No como Warner Bros y sus "anti"héroes venidos a menos.



No voy a negar que en lo visual, a Hell To Pay le hace bajar la nota. Pero ya llevamos unas cuantas películas que parten de este mismo molde como para acostumbrarse al poco de iniciar el metraje.

La trama se muestra sencilla pero a la vez se dan varias giros y bifurcaciones de guión que logran mantener la atención del espectador. Uno espera puñaladas por la espalda y objetivos propios de tipos que luchan contra los superhéroes y ya en los primeros minutos tenemos una buena carga de esto. Porque sí, en Hell To Pay la calificación R está justificada.

Lo que sí no me gustó fue el McGuffin de la película. Supongo que ya está hecho así a posta para que uno no dude en enarcar una ceja al saber de su existencia. Y como hablamos de un mundo en el que existen superhéroes y magia, puede que esta licencia no sea tan cuestionable como siente un servidor.




Ojo, porque la película cobra más entidad que la de una aventura del Escuadrón Suicida. Tenemos algún que otro cameo la mar de curioso y se conecta directamente con el evento que hizo surgir esta línea temporal.

No queriendo buscarle más pegas de las necesarias, he de admitir que Suicide Squad: Hell To Pay es una de las mejores películas post-Flashpoint.




Lo Mejor: Entiende lo que hace especial al Escuadrón Suicida.

Lo Peor: La animación típica de las películas post-Flashpoint. El McGuffin.






-Batman Ninja, de Junpei Mizusaki:

Si hay un personaje de la editorial DC que invita a experimentar con él, ese ES Batman. El Caballero Oscuro tiene una historia de origen bastante arquetípica pero eficaz. La historia del huérfano por culpa de un criminal que decide vivir luchando contra el crimen para impedir que otros sufran lo mismo que él, se puede extrapolar a multitud de espacios y situaciones.




Así es como funcionan los Elseworlds. Historias alternativas en las que el Hombre Murciélago se prodiga bastante (hace apenas unos meses vio la luz Gotham by Gaslight. Elseworld de un Batverse Victoriano), como en esta Batman Ninja.

En la génesis del personaje, las artes y prácticas de los ninjas se aplican bastante en las técnicas de lucha del Cruzado de la Capa. No por nada aprendió en un clan ancestral de asesinos secretos (La Liga de las Sombras o Liga de Asesinos). Pero no ha sido hasta esta película que Batman acaba en el Japón Feudal para convertirse de verdad en un Ninja.




La premisa no puede ser más sencilla y alocada. Algo que no debería importarnos siempre y cuando aprovechen los conceptos y elementos que ofrece el marco elegido. Cosa que, en mi opinión, no hace Junpei Mizusaki. Todo queda en la estética (excelente diseño de personajes a cargo de Takashi Okazaki) y en explotar la faceta más anime de la historia. Se han esmerado más en introducir mechas en la trama que justificar la presencia de un clan ninja dedicado a Batman.




En el terreno animado, la cosa queda a medias. Pues se hace uso de un CGI 3D al que cuesta pillarle el punto. Y es una lástima. Porque reitero que el diseño de personajes es genial.

Batman Ninja resulta un Elseworld fallido que tenía mucho que ofrecer (se rescribió el guión), pero que queda en otro mero pasatiempo animado.





Lo Mejor: El diseño de personajes.

Lo Peor: El desaprovechamiento de todo a favor de la simpleza. La animación digital 3D.



jueves, 17 de mayo de 2018

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